Commencer une oeuvre : Réflexion, dessin préparatoire et composition

L’artisan sait toujours où il va, l’artiste pas forcément. 

Pierre Soulages a raison, un artiste doit suivre son intuition car la créativité vient de l’intérieur.

Un artiste a une idée plus ou moins précise de ce qu’il veut atteindre, mais sans répondre pour autant à un cahier des charges. La maîtrise des matériaux et du dessin contribuent fortement à cette liberté de création dont un artiste fait preuve. Abstrait ou figuratif, la composition joue un rôle primordial à la réussite visuelle et formelle d’une oeuvre

Le processus de création est identique à tous les arts, la musique, la danse, la sculpture, etc. D’abords vient l’idée ou le concept ; ensuite la réflexion sur sa mise en forme, comment sublimer ou optimiser cette pensée ou cette émotion ; puis enfin sa réalisation qui est la concrétisation, l’expression d’un cheminement de pensé qui peut parfois être très long.

Le choix du sujet

“Il faut peindre ce qu’on aime”

Les vérités sont bien souvent les plus simples. On aime tous quelque chose, que ce soit la musique, la nature, le sport ou bien même les gens, l’amour, la famille etc…, mais encore faut-il savoir comment l’exprimer au mieux pour représenter matériellement un sentiment ou une réflexion toute personnelle.

Un dévouement à sa propre spiritualité. Une expression de son âme.

Il ne s’agit pas de représenter fidèlement la nature, mais plutôt de voir au-delà de ce que la nature veut bien nous montrer : la réalité émotionnelle, métaphysique, philosophique, et autre. Etre artiste, c’est ne pas créer une oeuvre “qui va bien avec la couleur du canapé”, mais présenter une vision unique.

La maîtrise technique favorise cette liberté de création, car la matière n’impose plus ses limites à l’artiste.

Se retrouver pour mieux s’exprimer

C’est dans le divertissement que l’homme se perd, et dans le silence qu’il se trouve” B. Pascal

Selon la philosophie du silence, pour parvenir à notre moi authentique, il faut faire taire tout ce vacarme perpétuel autour de nous. En supprimant le superflu, les habitudes et le bruit, ne subsiste alors que le silence et ce qu’il a à nous dire. Les mots sont utiles à l’action mais inaptes à traduire la richesse de la vie intérieure. Car quand la parole se tait, apparait le langage de l’âme.

Retrouvez-vous avec vous-même, prenez du papier à dessin, un crayon graphite (du 3B au 9B), une gomme, et lancez-vous, osez ! “Mal faire” ne veut rien dire ici, alors testez, expérimentez !Les premières lignes seront probablement hésitantes et vous aurez l’impression d’aller nulle part, mais peu importe, continuez. La créativité est comme un muscle qu’il faut travailler régulièrement, petit à petit sortira de vos dessins quelque chose de bon.

Ce sera bon parce que ce sera vrai 

Mettre le sujet en valeur

Que ce soit abstrait ou figuratif, une bonne composition est primordiale. Il s’agit de la mise en scène de votre sujet.

La composition est la mise en place des éléments à l’intérieur du sujet. Une composition harmonieuse et équilibrée servira votre sujet. L’œil du spectateur peut être charmé ou au contraire se sentir agressé selon le visuel. Les publicitaires, graphistes et autres professionnels du visuel maîtrisent parfaitement ces règles de composition. Une bonne composition attire et retient l’œil de celui qui la regarde.

Une belle peinture est comme une belle musique, il lui faut un rythme, une mélodie, une harmonie. Le peintre est un chef d’orchestre. Un chef d’oeuvre n’est jamais le fruit du hasard.

Le contraste

Plus il y a de contraste, plus il y a de relief. N’apportez pas la même luminosité partout. Concentrez la lumière sur les parties que vous souhaitez mettre en avant. Soit par le clair-obscure, soit par la complémentarité des couleurs. Pour en savoir plus : Ici !

Le sujet est ainsi sublimé. Les points lumineux attireront davantage l’œil du spectateur qui se placera naturellement sur ces zones mises en valeur.

Pour vérifier, Ingres conseillait à ses élèves de placer l’oeuvre dans le coin le plus sombre de l’atelier afin de vérifier que même en pénombre, le contraste lumineux persiste.

Le mouvement

La forme et les lignes forment la structure visuelle de l’oeuvre, et donc son mouvement. Notre attention se focalise toujours sur ce qui bouge, ne serait-ce qu’un tout petit mouvement à peine suggéré. Cette suggestion doit donc sembler tout naturel à notre œil, comme un corps en action ou des formes orientées en quelques directions.

L’essentiel

Inutile de charger son sujet de détails superflus, chaque élément dans la composition doit être utile au sujet. L’excès d’éléments détourneront l’attention du spectateur. “Less is more”, ou comme l’a écrit Ingres : “Un tableau est terminé quand on ne peut plus rien supprimer”.

Peu importe le domaine, l’inutile nuit à l’efficacité !

Le nombre d’or

Couramment utilisé autrefois, peu connu de nos jours, le nombre d’or ou encore appelé Divine proportion relève des sciences cognitives. Ce nombre est ainsi appelé car il régit une proportionnalité qui se retrouve dans tous les éléments de la nature, des feuilles de choux à l’anatomie, jusqu’aux galaxies. Le nombre d’or est le résultat d’une équation qui a pour résultat : 1,618034, soit 1,61, provenant d’une proportion entre deux longueurs : En savoir plus sur le nombre d’or.

Pour un esprit véritablement éclairé, il n’y a rien de plus désagréable à voir que la fausseté dans une peinture, quand bien même elle aurait été par ailleurs peinte avec la plus grande application. Mais que de tels peintres se plaisent à leurs erreurs a pour seule cause qu’ils n’ont pas appris l’art de la mesure, sans lequel personne ne peut devenir créateur ; mais leurs maîtres en sont responsables, qui eux-mêmes n’ont pas connu cet art.

Albrecht Dürer – Instruction sur la manière de mesurer – Traité des proportions.

L’application du nombre d’or à toutes les formes d’arts trouve ses origines pendant l’Antiquité. Certains historiens attribuent sa découverte au fameux Pythagore (VIe siècle avant JC). Quelque soit l’époque, tous les grands artistes ont utilisé ce rapport de proportion. Pierro della Francesca, Leonard de Vinci, Dürer, Rembrandt, Mondrian et Malevitch pour n’en citer que quelques uns. Ce principe s’appelait autrefois la “divine proportion”.

Réalisation d’esquisses

Comme l’enseignait Ingres dans son atelier :

Ayez tout entière dans les yeux, dans l’esprit, la figure que vous voulez représenter, et que l’exécution ne soit que l’accomplissement de cette image déjà possédée et préconçue. 

Si votre projet est pour le moment encore un peu flou, donnez-lui forme en réalisant une esquisse. Pour cela, dessiner l’ensemble avant de s’attarder sur les détails. Contrairement à ce que l’on peut penser, ce n’est pas une perte de temps, bien au contraire ! L’esquisse permet de donner vie aux idées, permettant toutes les corrections et améliorations éventuelles avant qu’il ne soit trop tard.

Tout comme il y a de nombreuses répétitions avant un spectacle, l’esquisse sert de préparatif. Comme dans n’importe quelle discipline, l’entrainement et la répétition favorisent la réussite.

Concrétisation

Lorsque tout est prêt, le matériel, le support (bien préparer son support), un projet clair, alors on peut réaliser l’oeuvre finale.

Pour la mise en place du dessin préparatoire sur le support, il est conseillé d’utiliser le fusain ou le crayon. Mais pour éviter que ces matériaux ne viennent noircir les couleurs plus tard, il suffit de gommer doucement la surface avec une gomme mie de pain, ou frotter avec un chiffon doux, pour retirer l’excédent de matière afin de ne laisser qu’un dessin légèrement marqué